博伊斯名言

博伊斯名言

1. 波普艺术对现代人各方面的启示

波普艺术（Pop Art），是一种以反传统、反历史、反精英、反经典、反智慧的艺术流派，其常运用一些庸俗的大众社会图形，照搬、复制生活原貌作为其艺术创作的基本元素. 波普艺术最早出现在上个世纪50年代英国，英国画家理查德·汉密尔顿第一次用街上的招贴画与图片资料拼贴成第一件波普艺术作品：“是什么让生活如此美好”. 从艺术的超越现代意义说，汉密尔顿的波普艺术是以一种玩世、庸俗化艺术语言对艺术现代性进行了一次多方位地彻底瓦解.于是，艺术的发展由于解构主义理论和波普艺术的实证进入到了精神、价值多元的后现代时期，而这个所谓后现代的阶段表征也当然就不是过去意义的超越、发展等精进传统精神了.如果没有领悟到这一关键点，那么对当代艺术的困惑是永远也无法解开的. 所以，对于波普艺术的理解不能用传统的观念去解释.如果摆脱不了对传统的依恋，那么你对当代艺术的万象也肯定是云里雾里的结论.因为标准的其反向解构性是波普艺术的主要特征. 美国波普艺术大师安迪沃霍尔作品 美国波普艺术家杰夫昆思作品 波普艺术虽说是诞生在英国，但是由于美国对波普艺术的大力推举使得美国在上个世纪60、70年代至今出现了大批著名的波普艺术家，如大名鼎鼎的安迪沃霍尔、劳申伯格、奥登伯格、里奇腾斯坦、韦赛尔曼、贾斯伯琼斯、杰夫昆思等等.其波普艺术规模与势头早已让人们忘记了波普艺术的原诞生地英国或理查德·汉密尔顿其人. 如今，说到美国文化是绕不过美国波普艺术的.回想美国文化发展，也真能抓住时代机遇，在避开自身文化历史的短暂与不足时一举通过树立起美国波普文化而举世闻名，可谓既打击了具有历史延续意义的现代性又掩盖了自身文化历史缺陷，不能不说是伟大的一举多得. 作为反精英的波普艺术却也奇怪地诞生了那么多的精英大师，其反精英理念不免让人产生似乎只是一种策略而已（与原先的倡导理念在结果看来就未免不能让人太当回事了）. 在中国当代艺术领域波普艺术的追随者可说趋之若鹜，去一下艺术园区或画廊就可以看到大量的波普艺术风格的作品陈列着，那些庸俗化的艳俗艺术和文化革命时期的政治图形也被泛滥使用在艺术作品里，这些作品无不体现出波普艺术的精神特质.据说西方特别认可中国的这些波普艺术，也因此中国波普艺术泛滥成灾而被西方青睐所购买的事实也只有中国波普艺术家自己知道. 世间误解且有著名中国艺术评论家把中国符号与中国图形相混淆，这实在是一种悲哀.符号与图形在语义和实际的视觉概念有着天壤之别.把符号与图形混同的同时也暴露了从事那么多年的艺术批评工作居然连符号与图形都搞不清，可见中国的艺术批评领域是何等的视盲.至于批评家所说的中国文革时期大批判图形，那是与符号意义的图形有着显著地区别，关于这方面的视觉知识或许批评家还是需要补补课把概念搞明白了再来讨论问题，否则将导致以其昏昏，还希望使人昭昭弱智群众的不良后果.顺便说一下中国文革时期的图形并非是中国所特有的时期图形，而是全世界社会主义国家时期共有的国家意志下的图形样式与符号没有根本关系更与中国符号链接不上. 由于现代艺术不断对过去传统文化的超越于反叛，也出现一些艺术名言如：“人人都是艺术家”（据说是德国艺术家博伊斯所言）.但是艺术的发展推进精神一直没有改变.然而，解构主义理论的出现以及波普艺术的大量普及化使得这一乌托邦的人文情怀被拆解.因此，“人人都是艺术家”，就显示出是多么蛊惑人心的当代语句也当然被波普艺术理论家奉为一句经典名言而告知与天下. 波普艺术也可以说成大众艺术，它的理念是把艺术与生活的界限打破，或者按波普艺术家所言是缝合了生活与艺术间的历史鸿沟.“生活就是艺术”，又是一句多么动听的普世口号.那么，还有什么阻碍我们不能艺术呢？ 人人都可以是艺术家，当代艺术进入到了一个反传统地后时代，反传统也意味着反传统艺术方面的技术与表达问题，因此大家不要畏惧没有学过艺术，只要你有灵感或观念，通过什么手段去表现都无所谓，表现得如何也无所谓，关键就是一定要以艺术的名义.所以，不管你以前学的是什么行业，只要你愿意去艺术，你就是艺术家，也许你还真是一位天才的艺术家.。

2. 请推荐几本励志图书请大家推荐几本励志图书,谢谢

1.图书名称： 如何与媒体打交道： 掌控媒体 本书作者： 李仁虎 2.图书名称： 我的财富梦： 普通人的赚钱技巧 本书作者： 金大中 3.图书名称： 一语道破天机： 平凡人物的另类智慧 本书作者： 张远冰 4.图书名称： 把斧头卖给美国总统： 没有什么不可能 本书作者： 吴蓓蕾 5.图书名称： 穷人缺什么： 《你为什么是穷人》升级版 本书作者： 古古 6.图书名称： 36计智典： 山人自有妙计 本书作者： 黄验 7.图书名称： 百万小富翁： 财富对人性的考验 本书作者： [英]博伊斯 8.图书名称： 圈子圈套： 被好友出卖的外企总监 本书作者： 王强 9.把人搞定： 办公室通关密码 本书作者： 王明耀。

3. 安迪·沃霍尔的人物评论

该怎样界定安迪·沃霍尔？波普艺术家？电影制片人？作家？摇滚乐作曲者？出版商？迷恋浮华时尚的虚荣的人？他甚至同时具有灰姑娘和吸血鬼的人格特质。时至今日，关于他的争议还在发酵。有人认为他以重复、复制为特点的艺术作品不算原创、不值一提。无论争议还将来得多么猛烈，安迪·沃霍尔已经在当代艺术史上书写下了浓墨重彩的一笔，缔造了真正可以对抗传统的、商业的、消费的、平民的、世界性的艺术——一个消费时代的艺术神话。这不仅仅是指他的艺术作品，更指他的思想、生活和处理艺术的方式。

波普艺术代表人物

在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔（Andy Warhol）。他是美国波 普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。

玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。

艺术品市场代表人物

安迪沃霍尔的艺术作品，在艺术品市场是炙手可热的收藏品和拍卖品，他的作品往往以千万美元甚至上亿美元成交。他是与毕加索等同级的艺术品市场顶尖代表人物。他的作品以3.8亿美元的年度成交额位居2012艺术家拍卖成绩排行榜首，将毕加索拉下马来。他的作品突出一种嘲讽与冷静。他描绘了简单清楚而反复出现的东西，这些都是现代社会中最令我们记得的形象符号。沃霍尔打破了永恒与伟大的界限；打破了手工艺品与批量生产、达达艺术和极少艺术、绘画与摄影、画布与胶卷的界限。他给平庸添上悲剧色彩，使悲剧变得平淡无奇。他摧毁了“艺术”形象的等级制度，取消了规定“艺术”的专横界限，他沟通了阳春白雪和下里巴人两种艺术。

他有一种直觉，能从数百万大众传媒递送的照片和图像中，找出他所要的那一张绘画原型。在制作完成后，以此表达对机械刻板的现代生活的客观评价，如果有人反感他的绘画，也会反感商业文化。在全球进入商业经济竞争的21世纪，沃霍尔们的波普遗产，不管是对西方还是东方，仍有着巨大的现实价值和特殊意义。2011年2月16日，Andy Warhol的自画像在在伦敦以1,080万英镑（约合1,740万美元卖出），是售前本已很高估价的两倍。

欧洲藏品最为丰富的巴黎美爵艺术基金在2013年将大部分精力投入到了当代艺术大师作品中，它推出了1978年的《杰米卡特》彩色肖像、1978年的《毛泽东与电椅》合成丝网印刷作品、《博伊斯洗衣袋》、《鱼》、《54号工作室VIP饮料兑换卡》、1980年的作品《鞋》等多幅安迪·沃霍尔的作品。安迪·沃霍尔彻底打破了“越是稀缺的作品价值越高”的惯常说法，他的作品以“重复、重复再重复”为宗旨，但这位波普艺术之王在拍卖市场上的辉煌表现是该艺术流派中任何其他艺术家的拍卖纪录都无法比拟的。

4. 有没有是以YO开头的女英文名

Yogini 女性 印度

Yogita 女性 印度

Yolanda 紫色的花；淑静的 女性 希腊

Yomaris 我是太阳 女性 西班牙

Yonina 鸽子 女性 希伯来

Yoninah 鸽子 女性 希伯来

Yordan Jordan的变形 女性 希伯来

Yosepha Joseph的女名 女性 希伯来

这些有又来的我觉得不太好听

其实英文名可以自己起的 管他有没有好听就行

Yomie

Yona

Yocie

Yobie

Yoda

Yolie

Yoky

Yoxy

5. 谈谈你对当代艺术的理解和收获3000字

当杜尚用一个男性的小便池去参加展览并命名其为《泉》的时候，我们发现，艺术形式的审美化正在消灭着艺术与生活的距离，但是艺术的意象的美却距离我们的生活越来越远了。

在这个时代，艺术家总是能以新奇的或者我们说是“创新的”概念迅速的成名。安迪•沃霍尔说“每个人都能在15分钟内成名。”于是，绘画不再是高高在上、具有威严性的宗教题材，而是一些生活中的现成品或是看起来庸俗不堪的物品都可以拿来当做题材。安迪用了当红的明星玛丽莲梦露当做他众多系列创作的主题，他用一些时髦、鲜艳的颜色来描绘玛丽莲，而这些艺术也被当做了工业文明社会市侩、轻浮、空虚的心理表现。

所以，我们可以看到现代艺术的题材与形式越来越趋向与日常的生活，很多艺术家不再去花大把的时间去在作品内容的创作当中，而是直接拿来生活中的一个实物或是一个空间，直接进行创作。从这种角度上来看，毫无疑问，近现代的非博物馆艺术是贴近了人们的生活，艺术不再是有阶级有身份的人们消遣时候的玩物，而是每一个大众都能参与其中的活动。而我们这个时代就成了一个约瑟夫•博伊斯口中的：“人人都是艺术家”的时代了。

但是这样做的弊端毫无疑问的是降低了艺术的门槛，一个艺术家的思想与理念完全可以在他的作品里表达。在信息时代里，人们获取信息十分容易，鼠标一点，就可以得到自己想要的信息，而这些轻而易举得到的信息毫无疑问是缺乏一种体验的。所以，现代的艺术家是根本不能表现出古典主义绘画的那些神圣的、纯洁的美。这时，一些想要创造出石破天惊艺术的大众艺术家们就开始了他们的“创新”。而这个时候，他们所表现得，并不是古典主义追求精准造型的自然美，也不是最求纯粹状态的艺术美，他们所追求的正式不断发现自身准确定义的第三领域美。

那么什么是“第三领域的美”？美学家丹托在《美的滥用》中将这种美解释为“通过行为——这些行为的目的是指向美好——而拥有了某些东西。”那么是什么东西呢？他用黑格尔的话说：对于艺术“我们要求…。一种生活的质量，而普世价值不存在于形式法则中，也不存在于格言中，而是伴随感觉和感受而给予的一个存在状态“。所以”对于黑格尔而言，艺术只是一个精神的渡筏，我们由此进入了他称为的绝对精神的最高阶段”。“绝对精神的三个阶段，每一个都在第三领域有实践性——那就是实际在过着的人得生活。而每一个实践都和是、人的生活该是什么样子的相联系。”“第三美学领域的东西与人类生活和幸福息息相关。”

所以在这个阶段的艺术，实际上艺术家要表现的已经不是美了，而是一种精神上的体验。我们发现当代艺术的内容表现的越来越个人化、抽象化，没有了艺术家自身的解释我们可能完全会误读这个作品为另外一个含义。而这个时候，艺术家也开始充当着哲学家的角色，他们指引着观众去思考他们作品的内涵。有的艺术家就是在用自己的艺术去反映自己的生活，从而引发观众对这类人群生活的思考。

这些当代艺术家想要表达的正是他们个人化的艺术理念，而我觉得大多数时候这种理念里更多的是一种反抗。他们在利用着观者的各种感官来反映他们对传统艺术的反抗，对一种生活状态的反抗。从这一方面看，观者的感官确实被艺术家全面的解放了。但是，他们用来反抗的手段正是一种刺激感官的方法，而比美更能刺激人感官的毫无疑问的就是一种痛感了。于是他们的艺术手段往往充满了性、暴力等以往艺术未曾涉及的领域。

诚然，他们做到了创新与反抗。但是，他们的艺术给人们带来了什么？除了在一瞬间夹杂着快感的痛感之外，随着时间的流逝，人们还能感到什么？美已经被抛弃了，那种由美带给我们的愉悦感、幸福感都已经被一种刺激的、麻木的、颓废的痛感所取代了。当我们在欣赏一件当代艺术的时候，我们已经感受不到了内心的宁静，当代艺术本身就是用来让人们刺激的。在当今这个人人都渴望成名的社会里，艺术也就像林清玄所说的变成了“爆炒苍蝇头”，观者也在“刺激中麻木”，然后艺术家再寻求“更刺激”。

我并非想要否定全部的当代艺术，只是我们需要思考，在当代艺术离开了物体本身的形状分析，我们将以何种标准去审美？是以艺术家所赋予作品所谓的含义的美么？当艺术表现的目的不再是美的时候，我们又将如何欣赏它们呢？在当代艺术的意象走到了“刺激”的尽头时，又将何去何从呢？

6. 谈谈我对当代艺术的认识怎么写

在这个时代，艺术家总是能以新奇的或者我们说是“创新的”概念迅速的成名。安迪•沃霍尔说“每个人都能在15分钟内成名。”于是，绘画不再是高高在上、具有威严性的宗教题材，而是一些生活中的现成品或是看起来庸俗不堪的物品都可以拿来当做题材。安迪用了当红的明星玛丽莲梦露当做他众多系列创作的主题，他用一些时髦、鲜艳的颜色来描绘玛丽莲，而这些艺术也被当做了工业文明社会市侩、轻浮、空虚的心理表现。

所以，我们可以看到现代艺术的题材与形式越来越趋向与日常的生活，很多艺术家不再去花大把的时间去在作品内容的创作当中，而是直接拿来生活中的一个实物或是一个空间，直接进行创作。从这种角度上来看，毫无疑问，近现代的非博物馆艺术是贴近了人们的生活，艺术不再是有阶级有身份的人们消遣时候的玩物，而是每一个大众都能参与其中的活动。而我们这个时代就成了一个约瑟夫•博伊斯口中的：“人人都是艺术家”的时代了。

但是这样做的弊端毫无疑问的是降低了艺术的门槛，一个艺术家的思想与理念完全可以在他的作品里表达。在信息时代里，人们获取信息十分容易，鼠标一点，就可以得到自己想要的信息，而这些轻而易举得到的信息毫无疑问是缺乏一种体验的。所以，现代的艺术家是根本不能表现出古典主义绘画的那些神圣的、纯洁的美。这时，一些想要创造出石破天惊艺术的大众艺术家们就开始了他们的“创新”。而这个时候，e799bee5baa6e4b893e5b19e31333431373233他们所表现得，并不是古典主义追求精准造型的自然美，也不是最求纯粹状态的艺术美，他们所追求的正式不断发现自身准确定义的第三领域美。

7. 为什么喜欢波普风格

波普艺术（Pop Art），是一种以反传统、反历史、反精英、反经典、反智慧的艺术流派，其常运用一些庸俗的大众社会图形，照搬、复制生活原貌作为其艺术创作的基本元素。

波普艺术最早出现在上个世纪50年代英国，英国画家理查德·汉密尔顿第一次用街上的招贴画与图片资料拼贴成第一件波普艺术作品：“是什么让生活如此美好”。

从艺术的超越现代意义说，汉密尔顿的波普艺术是以一种玩世、庸俗化艺术语言对艺术现代性进行了一次多方位地彻底瓦解。于是，艺术的发展由于解构主义理论和波普艺术的实证进入到了精神、价值多元的后现代时期，而这个所谓后现代的阶段表征也当然就不是过去意义的超越、发展等精进传统精神了。如果没有领悟到这一关键点，那么对当代艺术的困惑是永远也无法解开的。

所以，对于波普艺术的理解不能用传统的观念去解释。如果摆脱不了对传统的依恋，那么你对当代艺术的万象也肯定是云里雾里的结论。因为标准的其反向解构性是波普艺术的主要特征。

美国波普艺术大师安迪沃霍尔作品

美国波普艺术家杰夫昆思作品

波普艺术虽说是诞生在英国，但是由于美国对波普艺术的大力推举使得美国在上个世纪60、70年代至今出现了大批著名的波普艺术家，如大名鼎鼎的安迪沃霍尔、劳申伯格、奥登伯格、里奇腾斯坦、韦赛尔曼、贾斯伯琼斯、杰夫昆思等等。其波普艺术规模与势头早已让人们忘记了波普艺术的原诞生地英国或理查德·汉密尔顿其人。

如今，说到美国文化是绕不过美国波普艺术的。回想美国文化发展，也真能抓住时代机遇，在避开自身文化历史的短暂与不足时一举通过树立起美国波普文化而举世闻名，可谓既打击了具有历史延续意义的现代性又掩盖了自身文化历史缺陷，不能不说是伟大的一举多得。

作为反精英的波普艺术却也奇怪地诞生了那么多的精英大师，其反精英理念不免让人产生似乎只是一种策略而已（与原先的倡导理念在结果看来就未免不能让人太当回事了）。

在中国当代艺术领域波普艺术的追随者可说趋之若鹜，去一下艺术园区或画廊就可以看到大量的波普艺术风格的作品陈列着，那些庸俗化的艳俗艺术和文化革命时期的政治图形也被泛滥使用在艺术作品里，这些作品无不体现出波普艺术的精神特质。据说西方特别认可中国的这些波普艺术，也因此中国波普艺术泛滥成灾而被西方青睐所购买的事实也只有中国波普艺术家自己知道。

世间误解且有著名中国艺术评论家把中国符号与中国图形相混淆，这实在是一种悲哀。符号与图形在语义和实际的视觉概念有着天壤之别。把符号与图形混同的同时也暴露了从事那么多年的艺术批评工作居然连符号与图形都搞不清，可见中国的艺术批评领域是何等的视盲。至于批评家所说的中国文革时期大批判图形，那是与符号意义的图形有着显著地区别，关于这方面的视觉知识或许批评家还是需要补补课把概念搞明白了再来讨论问题，否则将导致以其昏昏，还希望使人昭昭弱智群众的不良后果。顺便说一下中国文革时期的图形并非是中国所特有的时期图形，而是全世界社会主义国家时期共有的国家意志下的图形样式与符号没有根本关系更与中国符号链接不上。

由于现代艺术不断对过去传统文化的超越于反叛，也出现一些艺术名言如：“人人都是艺术家”（据说是德国艺术家博伊斯所言）。但是艺术的发展推进精神一直没有改变。然而，解构主义理论的出现以及波普艺术的大量普及化使得这一乌托邦的人文情怀被拆解。因此，“人人都是艺术家”，就显示出是多么蛊惑人心的当代语句也当然被波普艺术理论家奉为一句经典名言而告知与天下。

波普艺术也可以说成大众艺术，它的理念是把艺术与生活的界限打破，或者按波普艺术家所言是缝合了生活与艺术间的历史鸿沟。“生活就是艺术”，又是一句多么动听的普世口号。那么，还有什么阻碍我们不能艺术呢？

人人都可以是艺术家，当代艺术进入到了一个反传统地后时代，反传统也意味着反传统艺术方面的技术与表达问题，因此大家不要畏惧没有学过艺术，只要你有灵感或观念，通过什么手段去表现都无所谓，表现得如何也无所谓，关键就是一定要以艺术的名义。所以，不管你以前学的是什么行业，只要你愿意去艺术，你就是艺术家，也许你还真是一位天才的艺术家。

8. 请问中国跟德国的历史渊源..

中国与德国的渊源极深。

中国的教育先驱蔡元培就是从德国留学回来，把以柏林大学为蓝本的现代教育理念传播全中国，而在世纪初那些文人学者和革命先行者，尽管多在日本留学，但学来的倒是日本自明治维新以来从德国借来的科技文化。布莱希特写下《四川好人》十多年前便已在中国上演，就连在中国红极一时的“美学”，也不过是取道日本从德国借来的理念。

计算机基础工作原理“二进制”的发明者德国数学家莱布尼茨，据说也是受到了《易经》的启发。就学问尤其是哲学而言，我们从来都是德国的学生。

从德国古典哲学那几位大师及叛逆者尼采那里，中国的时尚青年找到了他们谈论哲学的方式。而今天，如果你要在学术圈里混，或者披着学术的华服在时尚圈里混，韦伯、海德格尔、哈贝马斯则是必须牢记的关键词，懂不懂是一回事 文学与艺术的情况也大致如此。

在歌德、席勒、海涅这些名字已经老去，半个德国人卡夫卡也被肤浅的小资青年说烂，君特？格拉斯又半冷半热的今天，高贵的德国文学总被束之高阁，始终只在中国高级知识分子那里作为研究的样本。所幸的是，里尔克这个诗人的名字已经开始被一小撮有格调但更有思想的人士挂在嘴边了，你必须能随口诵出“有何胜利可言，挺住意味着一切”这样的里氏格言。

当然，不懂诗也没关系，比如，谁会把荷尔德林“人，在大地上诗意地栖息和劳作”这句诗当成诗？这不就是房地产广告么？ 德国大使馆举办的文化交流活动就显得正式得多，但也常常挂着一些名头极大但普通中国人毫无概念的主题，例如戏剧大师布莱希特影像展，新表现主义大师伊门道夫作品展。市面上有关于现代设计的先驱包豪斯的普及读物已有好几本了，但真正懂的没几个。

倒是德国后现代主义艺术的大师博伊斯对中国的直接影响更大些，他似乎该为中国各种名目的行为艺术泛滥而负责，因为这位疯狂的先生曾说，“人人都是艺术家 德国除了盛产一本正经的哲学家之外还盛产音乐家，贝多芬、巴赫、门德尔松、瓦格纳，如果你能一口气数得过来，只能证明你掌握的文化名人还太少。把西方古典音乐当作高雅的代名词，这是我国的特色。

与媚雅扯不上关系，它只与另类有关，近几年已经大面积成为国内小资、波波以及众多艺术青年的新欢了。除了爵士，还融汇古典、实验摇滚和民族音乐，对于所有出品的唱片而言，就是它最大的风格，拒绝商业，给予乐手充分的创作空间。

来自德国，受国内流行乐迷追捧的音乐品牌还有这个名为“迷”的团队由德国音乐人充满神秘意境的音乐中，既可以隐约感受到古典严肃音乐的影子，又可以直接感受到通俗流行的电子配器；既能听到少数民族部落自由而悠长的吟唱，又能够欣赏到教堂唱诗班庄严而宏大的和声。相比起来，来更受国人喜欢 谁都知道，中国电影走向世界是从柏林电影节开始的。

年张艺谋的《红高粱》一鸣惊人捧得金熊之后，李安、侯孝贤、陈凯歌、李少红、谢飞、吴子牛、王家卫、杜琪峰、贾樟柯、王小帅、杨德昌等等纷纷登台柏林，这些中国电影人几乎涵盖了华语电影各种风格和流派。不过，就连贾樟柯都承认，柏林电影节太过偏好于东方电影，除了前柏林电影节主席德哈登的个人兴趣之外，恐怕和歌德的直觉在德国具有一定的普遍性有关，尽管我们得承认，德国人对于中国的了解少之又少。

事实上，国人对于德国电影的了解也很可怜，除了那部充满年轻动感和时尚色彩的《罗拉快跑》，普通影迷对德国电影几乎毫无概念，更不要提那几个沉重的德国人了赫尔佐格、文德斯以及里芬施塔尔。他们在德国是国宝，在中国却永远属于小众 中国人心甘情愿给德国人送银子的方式还有另外两种，那就是旅游和留学。

今年德国成为了中国公民的旅游目的地国，这也是申根协议国中第一个向中国打开大门的欧洲国家。“去海德堡看古城，在慕尼黑品啤酒，到法兰克福购物”，多么迷人的梦，真的很快就能实现了。

德国总统近日访华时说目前已有很多中国游客到过德国。这是一个令德国欢欣鼓舞的数字，但不要忘记在《格林童话》的故乡淘金和消费的还有我们的留学生。

说实话，尽管德国学校不收学费，对于中国学生有巨大的吸引力，考虑到艰涩拗口的德语，我还是难以想象目前已有那么多中国人在德国学习 除了文艺产品的高端性之外，德国还制造出高端的汽车。比如，梅塞德斯奔驰轿车落户北京就意味着国人的汽车消费层次可以登上一个新台阶，长期以来大众、奔驰、宝马等德国汽车一贯的中高档策略已经把中国民众的胃口吊高了。

毫无疑问，即便经历了“砸大奔”这样的伪民族主义和非理性主义事件，德国汽车依然是国人购车的首选。当第一辆桑塔纳在上海组装下线的时候，可能每一个中国人都没有想到，今天，德国人的沉稳作风使其产品在兵不血刃的汽车暗战中，拿走了中国轿车销售的半壁江山。

德国人令人信赖的高科技和重工业的另一代表就是铁路，当国人还在为日本向中国输入新干线技术燃起民族主义情绪，西门子的地铁已经悄然占据了上海和广州的城市腹地。而今，德国总统又成功地贩卖了他们的磁悬浮技术。

9. 《指环王1》观后感 中英文学

指环王1：魔戒再现的剧情简介 · · · · · · 比尔博•巴金斯是100多岁的哈比人，住在故乡夏尔，生性喜欢冒险，在年轻时的一次探险经历中，他从怪物咕噜手中得到了至尊魔戒，这枚戒指是黑暗魔君索伦打造的至尊魔戒，拥有奴役世界的邪恶力量，能够统领其他几枚力量之戒，在3000年前的人类联盟和半兽人大军的战役中，联盟取得了胜利，并得到了至尊魔戒，数千年的辗转后，魔戒落到咕噜手中，被比尔博碰巧得到。

因为和魔戒的朝夕相处，比尔博的心性也受到了影响，在他111岁的生日宴会上，他决定把一切都留给侄子佛罗多（伊莱贾•伍德 饰），继续冒险。 比尔博的好朋友灰袍巫师甘道夫（伊恩•麦凯伦 饰）知道至尊魔戒的秘密，同时，黑暗魔君索伦已经知道他的魔戒落在哈比族的手中。

索伦正在重新建造要塞巴拉多，集结无数的半兽人，准备以大军 夺取魔戒，并且征服全世界。 甘道夫说服佛罗多将魔戒护送到精灵王国瑞文希尔，佛罗多在好朋友山姆、皮平和梅利的陪同下，在跃马旅店得到了刚铎王子阿拉贡的帮助，历经艰难，终于到达了精灵王国。

然而，精灵族并不愿意保管这个邪恶的至尊魔戒，中土各国代表开会讨论，达成意见，准备将至尊魔戒送到末日山脉的烈焰中彻底销毁，佛罗多挺身而出接受了这个任务，这次，陪伴他的除了三个好朋友，还有甘道夫、阿拉贡、精灵莱戈拉斯（奥兰多•布鲁姆 饰）、人类博罗米尔、侏儒金利。 一路上，魔戒远征军除了要逃避索伦爪牙黑骑士和半兽人的追杀之外，更要抵抗至尊魔界本身的邪恶诱惑，前途困难重重。

指环王1：魔戒再现 The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring 获奖情况第74届奥斯卡金像奖 （2002）最佳影片（提名） Barrie M. Osborne / 彼得·杰克逊 / 弗兰·威尔士最佳导演（提名） 彼得·杰克逊最佳男配角（提名） 伊恩·麦克莱恩最佳改编剧本（提名） 菲利帕·鲍恩斯 / 彼得·杰克逊 / 弗兰·威尔士最佳剪辑（提名） John Gilbert最佳摄影 Andrew Lesnie最佳视觉效果 Jim Rygiel / Randall William Cook / 理查德·泰勒 / Mark Stetson最佳音响（提名） Gethin Creagh / 哈蒙德·匹克 / 克里斯托弗·博伊斯 / 迈克尔·斯曼内科最佳美术指导（提名） 格兰特·梅杰 / 丹·汉纳最佳服装设计（提名） Ngila Dickson / 理查德·泰勒最佳化妆 Peter Owen / 理查德·泰勒最佳原创配乐 霍华德·肖最佳原创歌曲（提名） 恩雅 / Nicky Ryan / Roma Ryan第26届日本电影学院奖 （2003）最佳外语片（提名）。

博伊斯百年诞辰｜从“人人都是艺术家”到“激浪与偶发”

澎湃新闻记者 陆林汉

2021年是博伊斯诞辰一百周年。

澎湃新闻获悉，藏有数百件博伊斯作品的上海昊美术馆于5月至7月举办“约瑟夫·博伊斯百年诞辰”系列活动，为公众呈现多场纪念博伊斯的公共教育活动——放映、映后谈、专题导览等，带领公众走近博伊斯。其中常设展“约瑟夫·博伊斯”以4个部分：“人人都是艺术家”、“扩展的艺术概念”、“社会雕塑”和“激浪与偶发”来讲述其艺术人生。

德国艺术家约瑟夫·博伊斯（1921-1986）是20世纪最重要的西方艺术家之一，是二战之后艺术转型的关键人物和代表人物，有着非常持久的影响力和艺术史价值。

约瑟夫 · 博伊斯

1921年5月12日，博伊斯生于德国港口城市克雷费尔德，童年时光几乎都在靠近荷兰边境的一个中世纪小镇克莱韦度过。

15岁时，他跟随一家马戏团出走，期间负责饲养马戏团的动物，并学会了表演。20岁时，博伊斯加入德国空军。征兵前，他被培训为无线电报员，之后成为俯冲轰炸机的后炮手。1943年，博伊斯驾驶的飞机在冰天雪地的克里米亚前线坠毁，他幸免于难。战后，他进入杜塞尔多夫艺术学院开始系统地学习艺术。

作为一个前卫艺术家，博伊斯的创作活动多种多样，其作品越出了绘画雕塑的方式，以装置和行为作为创作主体。此外，博伊斯一直使用收集物、现成品或者蒙太奇的形式进行创作。

他强调对社会和文化介入的姿态，有一种革命家的精神，鼓励大家参与到日常的社会行动之中。他认为艺术方式是人类最本真的方式，由此提出名言——“人人都是艺术家”。只要人人发挥他的本性，就能用最纯真、最本性的东西参与社会、解读社会，使得社会朝着更美好的方向发展。

博伊斯的出现和意义在于他出现在特殊的 20 世纪 60 年代这一时代中，这段时间不但承接二战欧洲社会的创伤，而且连接着冷战的云谲波诡，因此愈加显示出博伊斯对社会文化与政治形势的反思和社会责任。博伊斯提出的艺术观念以及从事的艺术实践，都处处显示了时代的特征。

常设展览“约瑟夫·博伊斯”

上海昊美术馆二楼“约瑟夫·博伊斯”展为常设展厅，呈现了其创作生涯中极具代表性的作品，包括行为艺术录像、装置、署名版数复制品、文献资料等。随着“纪念博伊斯百年”系列活动的到来，5月22日、5月29日，该展厅免费对外开放。

常设展“约瑟夫·博伊斯”以4个部分：“人人都是艺术家”、“扩展的艺术概念”、“社会雕塑”和“激浪与偶发”来讲述其艺术人生。

“约瑟夫 · 博伊斯”展览中“扩展的艺术概念”展区，上海昊美术馆

“约瑟夫 · 博伊斯”展览中的“社会雕塑”展区，昊美术馆

博伊斯曾讲述了他在二战中经历了飞机失事，克里米亚的鞑靼人用油脂和毛毡挽救了他的生命。之后，油脂和毛毡成为其艺术创作重要的媒材，在作品中反复出现。

博伊斯认为艺术方式是人类最本真的方式，由此他提出“人人都是艺术家”的理念，只要人人发挥他的本性，就能用最纯真、最本性的东西参与社会、解读社会，使得社会朝着更美好的方向发展。同时，博伊斯提出了“社会雕塑”的理念，将当代艺术的边界拓展到了能与当代科学共同支撑现代文明的地位。他深化了艺术和社会的关系。在他看来，艺术不再是架上的一幅画，那只是艺术的一种品类。他强调对社会和文化介入的姿态，有一种革命家的精神，鼓励大家参与到日常的社会行动之中，有意义有觉知的行动即艺术。

约瑟夫 · 博伊斯，《宣言》，昊美术馆

象征博伊斯《7000棵橡树计划》的玄武岩石块，昊美术馆

作品《7000棵橡树》就是例证。1982年，在第七届德国卡塞尔文献展上，博伊斯提出一项计划：在该城市种植7000棵橡树。同时，他还在文献展场馆——弗里德里希阿鲁门博物馆前的草坪上堆积了同等数量的玄武岩石块。每种下一棵树就移除一块石头并立在树边，直到五年后树木全被种下。博伊斯说道：“石块好比是树的纪念碑。每一棵树都有对应的一级，树不断长高，而石头保持不动，我想把两者一起对比，随着时间的推移， 它们的比例会持续变化。”在其眼中，7000棵橡树只是“一个象征性开端”。他希望能借此激发人们对城市环境与管理的关注。

行为艺术在1960年代兴盛的时候，从含义、外观到内在的驱动力，突破了画家们的传统。艺术不再是高居于生活之上的“梦幻天地”，而是和生活在一起。在世界各地从事行为艺术的人中，除了视觉艺术家外，还有作曲家、音乐家、诗人、电影制作人。美籍韩裔艺术家白南准是全球最重要的视觉艺术家之一，亦是新媒体录像艺术与影像装置艺术的先驱和奠基者。上世纪60年代，白南准和博伊斯在激浪派的艺术浪潮中相遇，带着同样具有革命性的理念，他们的友谊与合作也成为一曲佳音。

《荒原狼III》（COYOTE III, 1984），博伊斯和白南准合作作品

展厅中，充斥着奇怪声音的作品《荒原狼III》记录的是在日本的草月堂的演出。白南准即兴弹奏日本歌曲和肖邦的乐曲，博伊斯则站在一边唱歌、大喊。“在1960年代，他们试图改变整个社会，他们是时代的反叛者。他们不相信任何东西，只相信人类本身，这是最重要的。”此前在昊美术馆开馆时，曾担任昊美术馆年度大展“见者的书信：约瑟夫 · 博伊斯 × 白南准”策展人、现德国杜塞尔多夫美术馆馆长格雷格 · 杨森博士（Dr. Gregor Jansen）这样说道。

纪录片中的博伊斯

博伊斯的作品、文献资料遍布多个美术馆。但是，你是否听到过他的声音？看看他所生活的时代呢？纪录片《博伊斯》则还原了一个真实的博伊斯。

2017年，由德国导演安德里斯·维利尔（Andres Veiel）执导的纪录片《博伊斯》在柏林电影节上映，近距离向人们揭示一个公共视野之外的博伊斯：他的性格、艺术和思考。这一纪录片也是昊美术馆的展品之一，于5月22日及5月29日全天多场次放映。

昊美术馆纪录片《博伊斯》现场图 photo by Lynn

影片从博伊斯的童年经历讲起，再到其十几、二十岁时所经历的二战阶段，并通过博伊斯早期的图画作品，呈现出对应的心理状态。战后，博伊斯把自己关在房间里，也反映出德国当时的压抑。直到博伊斯走出房门时，邻居的一个太太跟他说，“你有自己的天才，你不应该辜负自己的天才，你应该站出来。”

影片开头也讲述了博伊斯多次参加卡塞尔文献展，画面多次扫过上文提及的作品《7000棵橡树》，以此影像资料揭示了博伊斯的“社会雕塑”理念。随后，则有较大篇幅讲述了博伊斯“取消学生入学考试”的故事。

纪录片《博伊斯》影像截帧

1961年，博伊斯被任命为杜塞尔多夫艺术学院（Düsseldorf Academy）纪念性雕塑系教授。在此期间，他推动了一系列与政治运动相关的艺术实践“社会雕塑”，积极在学生中推广，这让其与学院同事逐渐疏远。期间，博伊斯取消了自己课程的入学考试，希望每个学生都能被录取。纪录片提到了相关数据：当时一个系的老师只能录取10余人学生，而博伊斯录取了所有报名的学生，多达400余人。当然，博伊斯的这种录取方法激化了他与学院的矛盾，成为其1972年被辞退的原因之一。

博伊斯种下第一棵树

如今的橡木树

纪录片涉及了博伊斯的个人访谈，公开演讲，包括学院之间的多人对谈，期间充满了争论，也呈现了他的多个行为作品的录像，创作过程中的照片和录像。此外，影片展示了博伊斯所带来的吸引力——安迪·沃霍尔就远到而来，想结识博伊斯——也展示了想当政治家的博伊斯，但最终以失败告终……

最后，还是关于《7000棵橡树》，树从小长到大，于片头形成一种画面上的呼应，也强调了博伊斯的介入社会。

安迪·沃霍尔与约瑟夫·博伊斯

纪录片映后谈

在美术馆放映前，5月8日，昊美术馆联合了德国驻上海总领馆文化教育处，为公众呈现了这部纪录片。纪录片放映结束后，作家、译者和文化评论人btr和策展人马珏结合《博伊斯》纪录片，与观众谈论了彼此心中的博伊斯。 澎湃新闻特此整理了部分观点予以呈现。

纪录片映后谈现场

作家btr谈及了博伊斯的个人形象塑造。在他看来，每次出场都戴着礼帽，穿着背心的博伊斯，像是被包装成了一种网红的形象，“他很善于发表自己的看法，很善于让自己被听见，这些特质在这个时代反而变得更明显。如果博伊斯活在这个时代，那不得了，肯定经常上热搜，大家都在讨论他。当然，这样一种讨论本身就是刺激大家的思维，也是刺激交流的方式。他会是一个挺不错的网红。当然，影片中，网红后来也脱下帽子，展现更真实的自己，他有点秃。”

在谈及纪录片的叙事方式时， btr表示，影片中，采访环节并没有标注人物的抬头，而只是标注了人名，“这可能和博伊斯支持主导的，或者说他一直想要的一种平等的观念有关系。影片里讲到他对人的态度——从来不在乎你是哪里来的，而是对你的观点本身往往更感兴趣。”

毛毡西装、油脂等是博伊斯常用的创作材料。在回忆童年的影像资料中，博伊斯的父母都是小业主，经营一家乳业厂，博伊斯说“父母宁愿我留在克莱韦的植物油脂厂工作，因为这是找份好工作最简单的方法，就和做公务员的待遇一样，他们都觉得，这孩子以后能干什么呢？”

对此，马珏表示，“博伊斯一直说自己使用油脂或脂肪和鞑靼人救了自己的经历有关，当然事实证明那个时候克里米亚地区应该已经没有鞑靼部落存在了。影片在讲述博伊斯的少年经历段落里的这一微小线索，提及的学徒工经历，也是影片埋藏的线索，很有趣味性。”

约瑟夫·博伊斯《I Like America and America Likes Me》，1974年

对于博伊斯给现代人的影响，btr表示，“博伊斯说要激发每个人心中的创造性，’人人都是艺术家’。随着社会分工的越来越细，现在跟以前的差别就是一件事情越来越专业化，或者说社会分工越来越精细，每个人有很大的风险成为一个工具人，只会一样东西，只在狭小的范围内思考。博伊斯要激发的创造性，是指很多时候要打破一个边界的，这种边界，有时候是在于一种感官或者说感知上的边界，或是从不同视角去看问题的边界。他在这一点上是有很大的启发的，就是教我们怎么去看艺术作品。”

约瑟夫·博伊斯，《革命就是我们》，1972，印在聚酯板上的照片海报，手写文字，盖章

“当你看他的作品时，是不能把作品和他个人剥离开的。他的经验、他的生活、他的一切都与之相关，因为博伊斯的整个生活、整个生命都是投入在‘社会雕塑’的创作之中的。”马珏说道，“青少年时期的经历，对博伊斯的的影响是非常大的。他把自己视为内在转型的一个例子，力求使自己民主化，并把这种民主化的主张扩展到整个社会。这种理念的提出，不是一种泛泛而谈，也不是只落在进入美术馆的作品上，而是用自己的整个生活在不断进行自我塑造，通过雕刻自身来完成这样的实践。”

责任编辑：钱雪儿

校对：施鋆